TEACHING ANIMATION: CHIARA MAGRI
Georges Sifianos : Pourriez-vous vous présenter et présenter l’école ?
Chiara Magri : Je m’appelle Chiara Magri et je travaille à l’École nationale de cinéma en Italie, le Centro Sperimentale di Cinematografia en italien. Notre cours d’animation, basé à Turin (nord-ouest de l’Italie), a marqué une rupture avec la tradition, car la plupart des cours de cinéma étaient dispensés à Rome depuis les années 1930. Si l’animation était peu présente à l’école de Rome, il s’agissait plutôt d’un atelier permanent où quelques étudiants passionnés poursuivaient leurs aspirations créatives.
Giulio Giannini, qui a lancé le cours d’animation dans les années 1980, était le partenaire d’Emanuele Luzzati. Ensemble, ils ont produit de magnifiques courts métrages et séquences de titres. Cependant, l’Italie ne disposait pas à l’époque d’une véritable industrie de l’animation. L’école visait à préserver l’animation en tant que forme d’art plutôt qu’à préparer les étudiants à la production professionnelle, car les opportunités au-delà de la publicité étaient limitées. La télévision italienne achetait principalement des contenus animés aux États-Unis et, occasionnellement, à des productions européennes, mais ne produisait pas beaucoup au niveau national.
Lorsque nous avons proposé de lancer un cours d’animation à Turin, notre projet s’appuyait sur un paysage industriel en pleine mutation. À la fin des années 1990, l’émergence d’une industrie nationale de l’animation est devenue plus envisageable grâce aux politiques de l’Union européenne, telles que le programme MEDIA, qui obligeait les diffuseurs comme la RAI à produire des animations européennes. Cela a créé une demande de professionnels qualifiés, mais il n’y avait pas de main-d’œuvre pour y répondre. Ainsi, en 2001, nous avons conçu un cours pour former de jeunes professionnels à cette industrie naissante.
Nous n’avions aucune expérience préalable en matière de formation structurée à l’animation. En dehors de l’expérience très enrichissante de l’atelier à Rome, il n’existait pratiquement aucune école d’animation en Italie. Cependant, cela s’est avéré être un atout. Nous avons abordé ce défi avec humilité et avons appris des pays où l’enseignement de l’animation était mieux établi. J’ai eu l’occasion de participer au programme de formation des formateurs lancé par CARTOON à Bruxelles, où j’ai pu échanger avec des experts en enseignement de l’animation. Ce fut une expérience inestimable, et il est dommage que de tels programmes n’existent plus aujourd’hui.
Nous avons commencé avec un petit groupe de 12 étudiants par an, sélectionnés à l’issue d’un processus d’admission rigoureux. Nos étudiants, en particulier au cours des premières années, étaient très collaboratifs, et ensemble, nous avons façonné l’identité de l’école. Cette base collaborative est l’une des raisons pour lesquelles nous sommes aujourd’hui reconnus comme l’une des meilleures écoles d’animation en Italie.
Nous avons également eu la chance de pouvoir compter sur des professionnels motivés qui consacrent une partie de leur temps de travail à l’école. Tout le monde disait : « Si seulement j’avais eu une école comme celle-ci quand j’ai commencé ! » Mes propos peuvent sembler sentimentaux, mais dans le domaine de l’animation, la motivation est essentielle : sans elle, il est impossible de créer des animations.
Au cours des 20 dernières années, notre école a considérablement évolué. Au départ, nous disposions d’un budget flexible qui nous permettait d’expérimenter et, surtout, de faire des erreurs. Malheureusement, les contraintes financières actuelles limitent cette liberté. Un autre changement majeur est survenu il y a quatre ans, lorsque le ministère de l’Éducation et le ministère de l’Université ont accordé un nouveau statut à notre diplôme, ce qui a compliqué notre structure. Nous ne faisons pas officiellement partie du système universitaire, mais nous devons attribuer des crédits académiques, ce qui contredit notre approche pédagogique pratique et informelle. Il s’agit d’un défi commun à toutes les écoles d’animation européennes, même si certaines y ont été confrontées avant nous. La principale difficulté consiste à aider les étudiants à comprendre que, bien que notre diplôme soit légalement reconnu, notre école n’est pas une université traditionnelle, en particulier en Italie, où les universités sont principalement théoriques plutôt que pratiques.
Malgré ces défis, les candidatures continuent d’affluer, ce qui nous permet d’être plus sélectifs. Notre programme de trois ans reste très pratique, tous les enseignants étant des artistes et des professionnels actifs dans le secteur. Après deux ans d’ateliers à Rome, nous avons lancé un cursus de trois ans à Turin. Aujourd’hui, nous acceptons 20 étudiants par an. Notre programme d’études concilie deux objectifs : préparer les étudiants à des postes dans l’industrie en les formant aux techniques clés (principalement l’animation numérique 2D et un peu de 3D) tout en encourageant l’expression artistique afin de former de nouveaux talents dans le domaine de l’animation. Il n’est pas facile de maintenir cette double orientation, d’autant plus que les étudiants sont de plus en plus influencés par les tendances dominantes et ont du mal à mener des recherches approfondies au-delà de ce qui est immédiatement visible en ligne. Internet offre une multitude d’informations, mais il est de plus en plus difficile d’approfondir ses recherches. Il est plus difficile que jamais de trouver sa propre voie artistique.
La Luna rubata, Vittorio Massai, Dario Lo Verme, 2017
GS : Pourriez-vous nous en dire plus sur votre méthodologie d’enseignement ?
CM : Notre objectif principal est de permettre aux étudiants de travailler dans un studio. C’est pourquoi une grande partie de notre programme est consacrée aux processus clés de l’industrie : storyboarding, animation et conception d’arrière-plans. Nous nous concentrons sur les outils numériques, principalement Toon Boom Harmony, en enseignant aux étudiants non seulement les techniques, mais aussi la discipline requise pour le travail professionnel, comme le respect des délais. Parfois, nous devons pousser les étudiants à respecter les normes de l’industrie, ce qui peut entrer en conflit avec leur instinct créatif, mais en fin de compte, nous voulons les aider à trouver un emploi.
Les jeunes animateurs craignent souvent de ne pas trouver de travail en Italie et de devoir s’expatrier. Ce n’est pas tout à fait vrai. L’Italie dispose d’une véritable industrie de production de séries télévisées pour enfants, et il y a beaucoup de travail disponible.
Au cours des deux premières années, les étudiants participent également à des ateliers intensifs de courte durée (une à deux semaines) avec des artistes indépendants spécialisés dans l’animation, souvent étrangers (si le budget le permet). Ces ateliers exposent les étudiants à des perspectives créatives diverses. Nous avons eu la chance de travailler avec Paul Bush, dont les contributions ont été inestimables. Son décès en 2023 a laissé un vide profond dans notre programme. Il animait des ateliers sur la réalisation d’animations et le développement d’idées et encadrait les étudiants dans la réalisation de leurs films de fin d’études, qui constituent le projet central de leur troisième année.
Paul Bush
otre programme s’étend sur trois ans. Au cours de la première année, les étudiants reçoivent une formation de base, principalement en animation 2D, car ils souhaitent souvent commencer par dessiner sur papier. Ils reçoivent également une introduction au langage cinématographique et à la réalisation. Nous n’avons pas de cours dédié à l’écriture de scénarios, car nous sélectionnons les étudiants en fonction de leur créativité visuelle plutôt que de leurs compétences rédactionnelles. Nous leur apprenons plutôt à développer des projets à travers un processus interactif, en passant de l’écriture au dessin plutôt que de suivre un cheminement strict allant du scénario au storyboard. Idéalement, nous aimerions un jour introduire un cours d’écriture de scénarios où les scénaristes collaboreraient avec les animateurs, mais nous n’en sommes pas encore là.
Le film de fin d’études est un défi majeur. Nous encourageons l’originalité et l’expression personnelle, mais les étudiants doivent travailler en collaboration, souvent en co-réalisant leurs films. Si cela dilue parfois l’identité artistique individuelle, cela favorise le travail d’équipe, qui est l’une des compétences les plus précieuses qu’ils acquièrent dans notre école.
Humus, Simone Cirillo, Simone Di Rocco, Dario Livietti, Alice Tagliapietra, 2017
Nous demandons à chaque étudiant de proposer une idée de court métrage. Bien que cela ne soit pas obligatoire, les 20 étudiants y participent généralement, tant en groupe qu’individuellement. Ils commencent par rédiger un court scénario d’environ une page et développent quelques concepts visuels et dessins initiaux.
La première étape consiste en une session de présentation, au cours de laquelle chaque étudiant présente son projet. Ensemble, nous effectuons une première sélection, qui se réduit généralement à 10-12 idées à développer. Chacun de ces étudiants continue à affiner son scénario et ses visuels individuellement, tandis que ceux dont le projet n’a pas été sélectionné contribuent à la recherche visuelle pour les projets qu’ils trouvent les plus intéressants. Cependant, il leur est demandé de ne pas interférer avec le processus de narration ou d’écriture. Cette étape dure environ deux mois, ce qui est assez court.
Après cette période, nous organisons une dernière session de présentation afin de sélectionner les six projets qui seront mis en production. Bien que nous essayions d’impliquer autant que possible les étudiants dans le processus décisionnel, le choix final revient en dernier ressort à moi-même et aux trois enseignants.
Une fois les six projets choisis, les étudiants forment des équipes de production. À ce stade, les projets subissent souvent des transformations importantes, notamment au niveau du style visuel, car les membres de l’équipe apportent leurs suggestions et leurs idées. Chaque étudiant assume un rôle spécifique et les responsabilités de réalisation sont partagées. Cette approche collective peut parfois diluer la vision personnelle ou l’originalité d’un film, mais elle est inestimable pour apprendre la collaboration, le travail d’équipe et le soutien mutuel. Il est intéressant de noter que peu d’étudiants ont la confiance ou la détermination nécessaires pour s’affirmer pleinement en tant que réalisateurs.
Dans certains cas, lorsqu’un étudiant fait preuve d’une fiabilité, d’une motivation et d’une vision personnelle exceptionnelles, nous lui permettons de développer un film individuellement. Cette approche a conduit à des succès notables, comme Donato Sansone et Martina Scarpelli. Cependant, elle a également donné lieu à des projets inachevés, car travailler seul présente des défis particuliers. Les films individuels restent rares dans notre programme.
Love cube, Donato Sansone, 2002
Cosmoetico, Martina Scarpelli, 2015
William Henne : Il est intéressant de noter que l’école invite des cinéastes. Les étudiants côtoient également des professionnels du secteur.
CM : Cette double approche est un aspect fondamental de notre école, mais elle nécessite beaucoup de temps et de ressources financières, deux éléments qui se font de plus en plus rares. Nous nous efforçons constamment de maintenir cet équilibre.
Nous serions prêts à introduire un programme de master après la licence, mais cela nécessiterait un financement supplémentaire. Nous devrions nous orienter vers l’international si nous voulons attirer suffisamment d’étudiants pour un master. Un tel programme pourrait se concentrer davantage sur la création et le cinéma indépendant, donnant aux étudiants plus de temps pour développer leur portfolio et leurs relations dans le secteur. Ceux qui souhaitent créer leurs propres films pourraient bénéficier d’un cursus de deux ans dédié à cet objectif.
Actuellement, nous restons le seul établissement public en Italie entièrement dédié à l’animation. Cela nous permet de maintenir des frais de scolarité relativement abordables, actuellement de 3 000 euros par an, ce qui est tout à fait raisonnable par rapport aux écoles privées. De nombreux établissements proposent désormais des cours d’animation, souvent combinés à l’illustration, mais ils ont tendance à se concentrer sur les aspects techniques tels que l’animation 3D et l’animation de personnages, plutôt que sur l’animation en tant que moyen de narration.
Nous n’avons pas encore abordé l’impact de l’IA et de la révolution numérique. Une chose est sûre : l’innovation sera toujours nécessaire. Notre rôle est d’expérimenter et d’explorer de nouvelles possibilités créatives.
GS : L’école s’appelle Centro Sperimentale. Est-ce lié à l’idée de cinéma expérimental ?
CM : Centro Sperimentale di Cinematografia signifie littéralement « Centre expérimental de cinématographie », et non « Centre de cinématographie expérimentale ». Mussolini a créé ces centres expérimentaux parce qu’ils étaient très innovants, à l’instar du Centre expérimental d’agriculture. Aujourd’hui, l’objectif principal du centre reste le développement des cinéastes et des auteurs.
L’animation est particulièrement intéressante car elle soulève des questions fondamentales : qu’est-ce que le cinéma ? Quels sont ses langages ? Elle incarne également la contradiction entre l’industrie et l’art. L’animation offre une occasion unique d’explorer ce que signifie réellement créer de l’art ou du divertissement.
GS : Il existe désormais une forte tradition d’animation en Italie, avec des réalisateurs importants tels que Toccafondo, Catani, Blu, Simone Massi, Donato Sansone et Martina Scapelli. D’autre part, il y a l’industrie, qui s’appuie sur des outils standardisés comme Toon Boom et un processus de production structuré qui commence par un storyboard.
CM : Nous essayons d’enseigner à nos étudiants comment utiliser ces outils, Toon Boom ou TVPaint, de la manière la plus créative et la plus personnelle possible. L’un des commentaires les plus fréquents à propos de nos films de fin d’études est : « Oh, comme ils sont tous différents dans leur style ! », même lorsqu’ils sont réalisés avec le même logiciel.
Malheureusement, nous ne disposons pas d’installations complètes pour le stop-motion, ce qui limite notre capacité à l’explorer pleinement. Nous encourageons les étudiants à expérimenter avec des marionnettes, mais ils manquent souvent de confiance lorsqu’ils essaient différentes techniques.
Ce que je remarque dans nos films, par rapport à ceux d’autres écoles européennes, c’est qu’en Italie, la notion de beauté classique est profondément ancrée. Même les étudiants qui ont du mal à dessiner aspirent à dessiner comme Michel-Ange. Cet état d’esprit les empêche de repousser les limites. Le poids de la beauté classique est si profondément enraciné, presque de manière subliminale, qu’il agit comme une contrainte sur la créativité. Nous ne voyons pas beaucoup d’expressionnisme dans notre travail. L’importance accordée par les Italiens à la beauté, à l’harmonie, à la symétrie et à la proportion peut être une sorte de chaîne créative.
En même temps, nous enseignons également aux étudiants comment gérer les processus de production, une compétence essentielle, même pour les cinéastes indépendants. Ceux qui créent leurs films individuellement finissent par développer leur propre méthode de travail, car ils apprennent une approche structurée de l’animation.
Midori, Elena Garofalo, Marta Giuliani, Laura Piunti, 2017
GS : Quel est le processus de sélection des nouveaux étudiants ?
Toccafondo n’utilise jamais de storyboard. L’obligation d’en utiliser un peut pousser les films vers une direction plus standardisée. De même, des logiciels comme Toon Boom encouragent les lignes épurées, les couleurs remplies et un certain type de conception des personnages. Avez-vous des méthodes d’enseignement pour contrer ces tendances ?
CM : Les films de nos étudiants sont ambitieux, mais nous continuons à mettre l’accent sur la narration traditionnelle. Il existe deux types d’écoles d’animation : les écoles de cinéma et les écoles d’art. Paul insistait beaucoup sur le développement d’une narration forte dans les films, et d’une certaine manière, les méthodes de l’industrie vont dans ce sens. Si ces méthodes peuvent limiter la créativité, elles permettent également de se concentrer plus facilement sur les fondamentaux de la narration : un début, un milieu et une fin clairs. Étonnamment, peu d’étudiants visent cet objectif.
Un film n’est pas un jeu, c’est un récit structuré, et il est essentiel de captiver le public. C’est ce que nous enseignons. Je ne sais pas si cette approche sera toujours d’actualité à l’avenir, étant donné que le divertissement s’articule de plus en plus autour de clips de 30 secondes. Mais nous continuons à penser en termes de grand écran, de cinéma, de festivals de films et du pouvoir de transmettre un message à travers le cinéma, quelle que soit sa forme.
La cabina, Ginevra Lanaro e Federica Di Leonardo, 2017.
D’une certaine manière, nous privilégions le contenu à la forme. Le cadre de production standard offre aux étudiants un sentiment de sécurité pendant la réalisation de leurs films. Ils travaillent en équipe, où les collaborateurs soutiennent naturellement la vision du réalisateur. Je suis d’accord avec vous : ce serait un rêve de créer un programme de master où les étudiants, après avoir appris la méthode de production standard, acquièrent la confiance nécessaire pour enfreindre les règles.
Même nos films les plus « art et essai » ont tendance à être assez traditionnels. En 2023, nous avons remporté le Cristal d’Annecy pour La Notte. J’ai été très surpris. Les trois réalisateurs ont fait un travail incroyable, avec une animation forte et des personnages attachants, mais le film n’avait rien d’expérimental. Tout le monde l’a apprécié : les enfants, les artistes, même les cinéastes expérimentaux. La musique de Vivaldi était le moteur du film.
Lorsque l’étudiant a initialement proposé un film sur Vivaldi, Venise, le carnaval et Pulcinella, je me suis dit : « Oh non, pitié ! » Mais au final, il avait une vision très claire et a su présenter son projet de manière excellente.
La Scuola del Libro, une école très importante à Urbino, est spécialisée dans l’édition artistique, la gravure et l’illustration. Elle a formé des cinéastes de renom tels que Toccafondo, Catani (qui y enseigne aujourd’hui), Simone Massi et bien d’autres cinéastes très importants. Mais comme toute école, elle a tendance à imprégner ses étudiants d’un certain style. C’est paradoxal : les écoles devraient encourager la liberté créative, mais les étudiants finissent souvent par imiter leurs mentors.
La notte, Martina Generali, Simone Pratola, Francesca Sofia Rosso, 2023